¿Por qué seguimos escuchando vinilos?

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A principios del siglo XXI el vinilo parecía un objeto propio de coleccionistas y aficionados a géneros y escenas musicales minoritarias. Y, de hecho, los datos más recientes sobre ventas de música, y algunos estudios académicos nos dicen que la gente consume, sobre todo, música en streaming. ¿Por qué, entonces, desde hace cerca de diez años, no deja de crecer la venta de vinilos??

Desde algunas disciplinas académicas, como la sociología, o los estudios sobre músicas populares, se están investigando estas cuestiones, tratando de averiguar por qué el vinilo es el único formato físico de la historia que ha sido capaz de revertir su caída en ventas. Veamos qué explicaciones son las que se están proporcionando.

Objetos, emociones y rituales

Algunos estudios nos explican que los aficionados a la música estamos unidos a los discos a través de sentimientos y emociones. No son simples objetos, cosas sin vida, si no que la música, las portadas, las canciones que contienen, están ligadas a nuestra memoria, a nuestra identidad. A veces escuchar un disco es como mirar un álbum de fotos. Cada canción está conectada con una época de nuestra vida, a personas concretas.

Portada del primer album de The Animals que incluye la canción ‘The house of the rising sun’ (1964).

La vuelta de vinilo podría ser englobada en eso que genéricamente se ha llamado “retromanía”, un rasgo de la cultura contemporánea que nos hace valorar excesivamente nuestro pasado, haciendo que nuestro consumo cultural, sobre todo en música, sea nostálgico.

Pero algunos autores sostienen que el revival del vinilo está influido por las características físicas del objeto más que por cuestiones nostálgicas, que hacen que muchos consumidores jóvenes descubran los rituales que rodean a este formato: desde el proceso de escarbar en las cubetas y encontrar joyas ocultas, al proceso de apertura, observación y audición del objeto.

A veces hemos interpretado mal que la música que escuchamos ya no esté en soportes físicos, que la consumamos en streaming y en MP3.

Algunos autores explican que el aumento del consumo de los formatos digitales, de la digitalización de la música, no implica que la música deje de ser un objeto. Es decir, que a pesar de que el consumo de música digital haya superado a los formatos materiales, eso no supone que la música no siga precisando de objetos físicos para su reproducción, como tabletas, móviles, ordenadores y reproductores de MP3/MP4. Los objetos siguen muy presentes en nuestro consumo de música.

Vinilo y autenticidad

Cuando escuchamos a alguien defender el formato vinilo frente a otros formatos, a veces da la sensación de que el vinilo es entendido como algo auténtico, real, creíble, cálido, mientras que el MP3 o el CD son formatos engañosos, fríos, distantes…

Por ejemplo hay aficionados que entienden que el vinilo fue apartado del mainstream, de las grandes ventas, por el CD, y quedó como un formato alternativo, más selecto, menos comercial.

Otras investigaciones apuntan a que lo que otorga un aura de autenticidad al vinilo son sus imperfecciones, su sonido rugoso, los arañazos en la superficie de los vinilos antiguos, los rastros de vida e historia insertos en ellos. Sus imperfecciones son las que le otorgan esa autenticidad, frente a la fría perfección del CD.

Las imperfecciones, el sonido rugoso, los arañazos, las huellas del pasado forman parte del encanto de los vinilos.
Sun_Shine / Shutterstock

De alguna manera estas afirmaciones llevan a pensar que los aficionados al vinilo humanizan este objeto. Los compradores de vinilo tienen la sensación de que este objeto se caracteriza por cuestiones como la falibilidad, la mortalidad, o por ser un objeto cálido. Las imperfecciones de este objeto, su sonido, sus portadas… todo ello hace que los aficionados lo humanicen y lo vean como un objeto más próximo y cercano, más real, que otras tecnologías.

El vinilo como pieza de arte

Portada de ‘In the court of the Crimson King’, (King Crimson, 1969), obra de Barry Godber.

Diversos autores coinciden en apuntar la importancia del “arte” –portada, fotos interiores, libreto– en el vinilo, como un extra que aporta elementos visuales a la escucha, así como elementos interactivos.

A nivel histórico no hay que olvidar que fue en los años sesenta cuando las bandas de pop-rock comenzaron a prestar atención a las portadas de los discos, a entenderlas como parte del concepto de álbum. Desde entonces las portadas se han convertido en un elemento clave para entender los vinilos como piezas artísticas. En ese sentido es muy significativo prestar atención a las ventas de vinilos. Aunque no hay muchos datos oficiales, algunos artículos de prensaapuntan a que los discos de vinilo que más se venden son aquellos que forman parte de lo que podríamos llamar el canon del pop-rock: Beatles, Pink Floyd, Michael Jackson, Prince…

Portada de ‘My aim is true’ (Elvis Costello, 1977)

¿Y por qué son estos vinilos los que más se venden? Probablemente porque la idea del vinilo y de su diseño como pieza artística está muy ligada a los años sesenta y setenta, a la década en la que se afianza ese canon del rock. El formato LP está conectado históricamente con el concepto de álbum en el rock desde esos años.

El concepto de álbum implicaba que el pop-rock era una música seria, con poso artístico, a la altura del cine y la literatura y que el formato de single no tenía entidad suficiente para contener la profundidad del mensaje que se explicaba a través del formato álbum. Así, es en esas décadas cuando las bandas de rock comenzaron a utilizar las dos caras de los vinilos y a servirse de esa metáfora para componer álbumes con dos partes diferenciadas.

Por tanto, existe una conexión histórica entre el formato vinilo y los álbumes clásicos del rock. Cualquier disco de Beatles, Rolling Stones, Dylan, Hendrix, Who, Kinks… tiene más valor y entidad en formato vinilo que en otros formatos.

Vinilo y nostalgia

Ya hemos hablado de la idea de “retromanía”, un rasgo de la cultura musical contemporánea, absolutamente dependiente de las obras musicales del pasado, sobre todo en el terreno del pop-rock, en el que se vive en un revival continuo de géneros y escenas pretéritas, proceso a su vez acelerado por las nuevas tecnologías.

Portada de London Calling (The Clash, 1979).

En el caso del vinilo, podríamos aplicar esta idea a través del concepto de “tecnostalgia”, entendida como los sentimientos agridulces que aparecen al utilizar medios tecnológicos que formaron parte de la socialización de una persona y que estarían en clara obsolescencia en la sociedad actual. La “tecnostalgia” sería un elemento claramente generacional ya que miembros de una misma generación compartirían esos elementos tecnológicos de socialización.

Para las generaciones más jóvenes el vinilo no puede formar parte de un proceso nostálgico ya que estos jóvenes apenas han utilizado ese formato. Por tanto, podemos pensar que, si bien puede existir un consumo de vinilo “tecnostálgico”, habría que distinguirlo de otro tipo de consumo que en este caso sería más bien “aurático”, es decir, basado en una idealización o mitificación de un formato que no ha sido parte del repertorio cotidiano de formatos auditivos utilizados por esa generación.

Portada de ‘Nevermind’ (Nirvana, 1991).

En resumen, como vemos, las investigaciones académicas sobre el vinilo avanzan y proponen una serie de conceptos e ideas para explicar el retorno de este formato.

Pero sigue habiendo cuestiones sobre las que no se ha respondido claramente, o sobre las que no se ha estudiado. Por ejemplo, sabemos poco sobre quiénes compran vinilos, sobre todo dentro de las generaciones más jóvenes. Además, la mayor parte de los trabajos realizados se han centrado en el caso de Estados Unidos e Inglaterra, con pequeñas aportaciones desde Suecia y Portugal.

Sería de gran ayuda que futuros trabajos analizasen el mundo del vinilo en otros contextos, especialmente en aquellos como los del sur de Europa en los que las crisis económica y de la industria discográfica han sido muy duras.

A su vez, abrirse a nuevos contextos implicaría abrirse a otros géneros, como pueden ser el fado o el flamenco, las hibridaciones del pop-rock con músicas autóctonas o las escenas locales de Electronic Dance Music o rap. Eso permitiría ampliar nuestro conocimiento sobre las relaciones entre géneros y vinilo y plantear si ese revival es propio del pop-rock, o también está presente en otras escenas y géneros.

Por último, conviene plantear la necesidad de obtener datos fiables en cuanto a las ventas de vinilo en cada país. A pesar de la dificultad que eso conllevaría, arrojaría mucha luz sobre estos trabajos obtener cifras concretas en torno a estas cuestiones.

 


Fernán del Val, Postdoctoral fellow, Universidade do Porto

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lea el original. Foto: Studio KIWI / Shutterstock

«KILLING MICHAEL JACKSON», NUEVA PELICULA A LOS DIEZ AÑOS DE SU MUERTE

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Diez años después de la muerte de Michael Jackson, Discovery Networks International ha realizado  un documental que explora las circunstancias de su muerte.El film se llama «Killing Michael Jackson» ,  hecho  en el Reino Unido por Zig Zag Productions, fue adquirido por el gigante de la televisión para sus canales en Italia, Alemania y los países nórdicos. Discovery también lanzará la película en su canal Quest Red en el Reino Unido

En otros lugares, el documento también fue recogido por Polsat Television en Polonia, TVNZ en Nueva Zelanda y Medialaan en Bélgica. La película de una hora de duración, presenta a los tres detectives estadounidenses que lideraron la investigación original sobre la muerte del controvertido cantante en 2009. Reunidos en pantalla por primera vez desde el juicio del doctor Conrad Murray, quien posteriormente fue encarcelado por la involuntaria homicidio de Jackson, Orlando Martínez, Dan Myers y Scott Smith volverán a examinar el caso una década más tarde y revelarán a los televidentes los extraordinarios detalles de su investigacion

El documento se compromete a mostrar a los detectives a medida que vuelven a abrir los archivos oficiales de los casos del Departamento de Policía de Los Ángeles y brindan nuevas revelaciones, nuevas perspectivas y entrevistas exclusivas en audio y video con Murray y testigos.El «asesinato de Michael Jackson» también explorará la relación de dependencia de Jackson y Murray y examinará el grado de culpabilidad de Murray por la muerte del cantante. También revelará en detalle exhaustivo los minutos posteriores a la muerte de Jackson, su muerte real y las consecuencias inmediatas a través de los ojos de los detectives y testigos que nunca han contado su historia en la televisión. La película  enfoca en las circunstancias intrigantes que rodearon la muerte de Michael Jackson, que brindaron al público una visión fascinante de los momentos finales de la vida de la estrella del pop y el proceso criminal que llevó al arresto y la condena del Dr. Conrad Murray».

This article was written by: Clásicos y Decibelios 

Cardi B Throws Gauntlet on Critics in New Song ‘Press’

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Cardi B has released a new one-off single titled “Press.” Her point being: she doesn’t want it.

“Cardi don’t need more press,” she spits above thudding, foreboding bass and an orchestral score fit for a first-person shooter game. “Kill ’em all/Put them hoes to rest/Walk in, bulletproof vest!”

She first previewed the song on social media Wednesday, with a photo of a handcuffed Aileen Wuornos, the former sex worker-turned-vigilante serial killer. Cardi chased it with a photo of herself in the same cuffed pose, gritting her teeth from inside a courtroom. The final teaser revealed her stripped naked (with censor bars) and flanked by paparazzi outside the courtroom. Though she dropped Invasion of Privacy in 2018, she continues to wrestle with overexposure on “Press.”

The Grammy-winning rapper has gone through the ringer in the headlines, so to speak. As a relatively new mother, she’s been scrutinized for lavishing her a 10-month old daughter with diamonds; then once more after she eschewed a gym routine for cosmetic surgery (which she flaunts in the artwork for “Press”). But due to a grueling recovery process, she was forced to cancel several tour dates. “My job as an entertainer is a 24-hour job, bro,” she explained to her fans, to whom she issued an apology via Instagram. “So no I don’t have time to work out… I wanted specific things that I know that no matter how much I work out won’t get fixed… I’m cancelling millions of dollars in shows, but health is wealth so I have to do what I have to do.”

The new song follows her feature in DJ Khaled’s “Wish Wish,” in which she and 21 Savage exchange bars amid pyrotechnics and motocross daredevils. Cardi B will resume her tour Sunday, June 2nd at the HOT 97 Summer Jam in East Rutherford, New Jersey.

This article was originally written by: Rolling Stone

7 CANCIONES QUE MARCARON LA CARRERA DE FLORENCE + THE MACHINE

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Por casi 10 años, Florence + The Machine se ha convertido en una de las mujeres cuya música ha trascendido al punto de colocarla como acto principal de festivales y por supuesto, de conciertos. Sin embargo, en sus inicios comenzó a través de MySpace y en YouTube. Su voz poderosa fue lo que le abrió camino que culminó con la llegada de Lungs, su primer material de estudio. 

Este disco está lleno de matices, de un indie folk mezclado con música electrónica e instrumentos como el arpa que le dan un giro fresco a la corriente musical que comenzaba a surgir en la primera década del 2000 con exponentes como Lykke Li, El Perro del Mar —que inició varios años antes—, Little Boots, La Roux y más. Todas ellas, de alguna manera, generaron su propia identidad, experimentaron y finalmente nos presentaron excelentes discos debuts. 

Pero con Florence Welch hay que hablar no solo de Lungs —cuyas canciones incluso aparecieron en series de televisión como Skins—, sino de los otros discos y canciones que fueron esculpiendo su trayectoria musical hasta convertirla en la artista que es hoy. En una mujer que fue madre, que sufrió depresión y que antes de eso, vivió en carne propia el desamor, la decepción y corazón roto. Hoy, entera, inspirada y entregada, marca un antes y un después cuando pisa el escenario. 

Estas canciones posiblemente no las toque en sus conciertos en México, pero en definitiva son un must a la hora de hablar sobre la carrera. Acá te las dejamos:

Girl With One Eye de Lungs (2009)

Además de mostrar que podía utilizar varios instrumentos, Florence + The Machine mostró que la simplicidad también podía ser lo suyo pues, con únicamente dos guitarras eléctricas y su voz,podía interpretar una canción como esta, llena de matices. Ese fue su inicio que la definió tanto como artista, como a sus presentaciones mismas.

Rabbit Heart (Raise It Up) de Lungs (2009)

Y hablando de su primer material de estudio, Florence Welch llegó con esta canción para darnos un toque fresco, con arpas constantes, unos cuantos beats de sintetizador y una voz un poco más tenue. ¿Su principal objetivo? Divertirse… así fue como todo Lungs resultó atractivo tanto para la vista, como para el oído.

Heavy In Your Arms de Lungs (2009)

También pasó de la diversión al dramatismo. Y es que, ¿quién no escuchó esta canción de Florence + The Machine en su punto más depresivo o melancólico? Con ese coro tan poderoso, Florence se mostró teatral y con todo un equipo detrás que no podía pasar desapercibido.

Only If For a Night de Ceremonials (2011)

Lo mismo con “Only If For a Night”, la cual ya forma parte de su segundo material de estudio, y que ahora utiliza no solo coros de Florence, sino de su banda detrás. ¡Una verdadera obra maestra compuesta por una orquesta difícil de ignorar!

What The Water Gave Me de Ceremonials (2011)

En el camino de la teatralidad, de la oscuridad y depresión, también hay momentos para filosofar y pensar, ¿qué es lo que nos da la vida y cómo podemos aprovecharla? Con esta canción Florence + The Machine se sumerge en un bosque lleno de matices y sonidos con capas de arpa, la voz de Florence, coros y finalmente fuertes golpeteos de batería y riffs de guitarra. 

What Kind of Men de How Big, How Blue, How Beautiful (2015)

Para su penúltimo disco, Florence también se adentró en sonidos más rock y este tema es la prueba de ello. Basta con el inicio tan fuerte de guitarra y golpes de batería. Ella buscaba rendirle tributo a las grandes exponentes de la música, a ellas que se convirtieron en íconos y en sus musas. Con este disco apenas era el inicio…

Big God de High As Hope (2017)

¿Qué dices cuando estás en problemas? ¿A quién recurres primero? Posiblemente a Dios. Florence pasó por una fuerte etapa de depresión. Ni qué decir de su adicción al alcohol. Sabía lo que era luchar con sus propios demonios, derribarlos. De ahí es que Big God, a diferencia de todas las otras canciones, es oscura no por la melodía o por las tonalidades de Florence, sino por su experiencia misma.

Sabemos que hay muchas otras canciones que posiblemente esculpieron la carrera de Florence Welch, pero estas, nuestra selección, está basada en la grandeza auditiva que representan y el impacto personal que estas etapas tuvieron en la vida de Florence tanto de manera personal, como profesional.

 

This article was originally writing by: Sopitas.com 

Se filtra todo: las Wachowski preparan The Matrix 4

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Desde hace años corre el rumor intenso de que The Matrixpodría volver en cualquier momento a las salas cine con una secuela que al parecer nadie pidió pero que Warner Bros. quiere que suceda. Este año la mítica película cumplió 20 años del estreno de su primera cinta, y ahora, Chad Stahelski, director de la tercera cinta de Jonh Wick, acaba de soltar todos los detalles. Afirmando en una entrevista para Yahoo! Movies UK que las (ahora) hermanas Wachowski están metidas de lleno preparando lo que sería The Matrix 4:

Neo de Matrix estuvo a punto de ser un personaje jugable en Injustice 2

Estoy muy feliz de que las Wachowski no solo estén haciendo una nueva ‘Matrix’, sino que están expandiendo lo que todos amamos.

Y si [la nueva película] está en algún lugar cerca del nivel de lo que ya han hecho, no se necesitaría más que una llamada para responder, ‘Oye, queremos que seas nuestro doble para acrobacias’ y yo probablemente iría al momento para ser golpeado por un coche.

Las declaraciones podrían sonar confusas para algunos. Pero es necesario recordar que Chad Stahelski inició su carrera como stunt o doble para escenas de acción. Y The Matrix es uno de sus trabajos más famosos.De hecho él era Neo en todas las secuencias que podían implicar un riesgo para la integridad física de Keanu Reeves.Lo interesante aquí es que Chad reveló bastantes detalles. Dejando en claro que las hermanas trabajan en la película. Aunque no es seguro que ellas vayan a dirigir la cinta. Así que no hay nada oficial hasta el momento. Ni por parte de Warner y ni de las Wachowski. Pero su amigo ha delatado todo.

Hear Taylor Swift’s New, Much Hinted-At Single ‘ME!’

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Hear ye, hear ye! Time to hear “ME!” The new single and video from Taylor Swift, featuring Panic! at the Disco’s Brendon Urie is out. After a long and cryptic social media campaign, Swift announced the song and video during an interview with Robin Roberts on ABC. “ME!” was produced by Joel Little, who produced Lorde’s Pure Heroine. The video was co-directed by Tay-tay and Dave Meyers. Fans have been decoding Taylor’s photo clues like a g-d rebus since she dropped an Instagram countdown clock April 13. Now we know that all this hoopla was for a song about “embracing your individuality and really owning it.” Swift and Urie cavort in a candy-colored Paris in the video, declaring that they are the perfect lover. There’s even a French melodramatic opening! “Oh and there’s a secret in the video I’ve been keeping in for months,” Swift said on YouTube chat, “let’s see who can guess it.”

This article was originally writing by: Vulture

Madonna y Maluma, esa extraña (y muy provocadora) pareja, unidos en el videoclip de ‘Medellín’ que apuesta por la moda española

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La Reina del Pop, que está más que estupenda,  y Maluma vienen dispuestos a provocar y hacerlo a lo grande, con un tema que contiene la esencia más pura de cada uno de ello, lo que hace que se convierta en una mezcla explosiva y casi difícil de catalogar. Eso sí, el vídeo es todo un despliegue de medios visuales, con una estética propia de la cantante en la que el colombiano, a pesar de todo, es un secundario frente a una Madame X que derrocha besos, movimientos sinuosos y desparpajo, entre mucho fetichismo y estimulantes varios. Las eróticas escenas entre la cantante de 60 años y el colombiano de 25 han provocado un debate en redes sociales .Aunque el tema había provocado reacciones polarizadas y memes, el videoclip donde los cantantes bailan y se casan detonó en comentarios positivos en su mayoría.

https://youtu.be/xAxNaLAR2to

Pink Teams Up With Khalid On Mellow Bop, “Hurts 2B Human”

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Hurts 2B Human (due April 26) is shaping up to be one of Pink’s best, and most surprising, albums. The veteran hitmaker kicked it off with the anthemic “Walk Me Home” and then showcased her versatility by rocking out on “Hustle” and then leading us to the dance floor with nostalgic club-banger, “Can We Pretend.” She now switches it up again, joining forces with the prolific, always-brilliant Khalid for the soulful title track. Yes, this mellow bop might be the closest Alecia has come to R&B since her debut LP.

“Sometimes I get so tired of getting tired up my thoughts,” Pink croons in the opening verse. “You’re the only one that often makes it stop.” She then launches straight into the chorus. “God, it hurts to be human,” the pop/rocker belts over Jorgen Odegard’s guitar-driven, beats-speckled production. “Without you I’d be losing and someday we’ll face the music.” As for Khalid, his verse is equally emo. “Now if we defeat all odds and it was us against the world,” he promises. “You could count on me, you know I’d have your back.”

While this sounds like an unlikely collaboration on paper, it comes together brilliantly. Take a listen below and then watch Pink slay The Ellen DeGeneres Show at the bottom of the post.

This article was originally writing by: Idolator.com

The Follow-Up To “Sucker”! Jonas Brothers Announce New Single “Cool”

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The Jonas Brothers staged an epic comeback in March when “Sucker,” their first single in six years, topped the Billboard Hot 100. The iconic trio would be forgiven for resting on their laurels for at least a couple of weeks, but they are determined to keep the Jo Bros revival in full swing. The band’s next single is called “Cool” and it drops on Friday (April 5).

It will be interesting to see if “Cool” generates as much love as “Sucker.” There was definitely an element of nostalgia in that song’s success, but it will soon dissipate if they don’t keep delivering A-grade pop/rock. Not that fans should be too concerned. The Jonas Brothers are working with all the best songwriters and producers (Ryan Tedder, Frank Dukes and Louis Bell) and seem intent on making their comeback last. With any luck, the guys will announce the title and release date of their fifth LP in the coming weeks.

See the cover of “Cool” below.

Elle Fanning Charms On Carly Rae Jepsen-Penned “Wildflowers”

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Elle Fanning is one of those annoying people that is good at everything. Whether she’s starring in arthouse fare like The Neon Demonand The Beguiled, or blockbusters like Maleficent, the 20-year-old is never less than utterly captivating. It turns out, she’s also a rather handy singer. Elle shows off her vocal chops in the upcoming Teen Spirit (in theaters April 12) — a film about a British school girl with a passion for pop and the drive to escape from her small, claustrophobic town.

The singer/actress belts out a number of covers in the movie including an impressive rendition of Robyn’s seminal “Dancing On My Own” (listen here) as well as Ellie Goulding’s “Lights” and Sigrid’s“Don’t Kill My Vibe.” Elle also contributes an original to the soundtrack, and it perfectly slots into its electro-pop aesthetic. “I wore your shirt as I was running away from you, ’cause I like to keep the good things,” she sings over ’80s synths. “I know you’re hurt and I’d like to sit right next to you, but you’d only say the worst things.”

Elle cuts the emotional chord on the bittersweet chorus. “Wildflowers you brought me are crumbled in my hands,” she laments. “I killed them, you caught me — the stain is on my hands.” The track was co-written by Carly Rae Jepsen, Jack Antonoff and Tavish Crowe, and wouldn’t sound out of place on the Canadian pop star’s E·MO·TION LP. And that’s high praise indeed! Check out “Wildflowers” below and pre-order the soundtrack here.

This article was originally writing by: Idolator.com